El II Encuentro Artesanía y Lujo ha superado con creces el éxito de la primera edición, habiendo contado con la asistencia de 263 personas, además de los 426 internautas que siguieron algunas de las intervenciones en directo por internet. Pero, quizás, lo más significativo, han sido las muestras de interés e ilusión de los asistentes a medida que emergían conceptos tales como pasión, cultura, ética, autenticidad, raíces, identidad, excelencia, emoción, valores humanos…. estableciendo un campo compartido por una nueva idea del lujo, alejada de la ostentación, y una visión actualizada de la artesanía, más allá del trabajo manual.
La artesanía recupera su prestigio y se acerca al nuevo lujo a través del diseño y la innovación. La idea más repetida entre todos los conferenciantes fue su concepción de la artesanía como un proceso creativo intensamente emocional, basado en un diálogo entre artesanos y diseñadores, entre tendencias y materiales, entre la tradición y la innovación. Y el diseño, la innovación y la creatividad juegan un rol determinante, tal y como mostraron Stuart Vevers, Jaime Hayón, Candela Cort, Sara Navarro, Armand Vilalta y Luesma Vega. Las acciones de promoción realizadas por entidades como Acme, Movex, Fundesarte y Oficio y Arte resulta de capital importancia.
Pero no menos importante fue el compromiso y la apuesta institucional por una artesanía de calidad, expresado durante la clausura. Inés Gómez-Acebo, Dtra Gral de Comercio de la CAM, anunció un Plan de Fomento de la Artesanía de calidad, el cual incluirá un Premio a la Excelencia patrocinado por la Fundación Loewe. Carlos Falcó, Presidente del Círculo Fortuny, reveló la progresiva inclusión de artesanos como miembros del Círculo, empezando por el maestro guitarrero Felipe Conde. Sara Gómez, vicerrectora de la Universidad Politécnica, defendió la necesidad de elevar a la categoría de grado, dentro de la propia universidad, la enseñanza del diseño de moda impartida por el CSDMM. Y Enrique Loewe anunció la creación del primer Master de Diseño en Piel, patrocinado por la Fundación Loewe, concebido como un laboratorio para la enseñanza del diseño aplicado a la artesanía, y cuyos resultados esperamos poder ver en el III Encuentro que tendrá lugar el año que viene.
El mayor problema del Encuentro fue la falta de tiempo, motivada por una apretadísima agenda, que impidió profundizar en el debate con la participación de los asistentes. Y , aunque en cierta forma se vio compensado por la riqueza de los contenidos expuestos, parece claro que tratando el tema del nuevo lujo….tenemos que dar más tiempo al tiempo. Esperamos poder conseguir la financiación necesaria para que el Encuentro del próximo año discurra a lo largo de toda una jornada, lo que nos permitiría abordar cada tema de una forma más profunda y pausada, así como facilitar la participación y la interacción entre todos los asistentes.
Mientras tanto, intentaremos alimentar la web con nuevos contenidos y experiencias que nos ayuden a ir clarificando los derroteros por los que emerge ese nuevo lujo tan deseado. Contamos con vuestra colaboración.
Helena López de Hierro, directora del Museo del Traje, nos dio la bienvenida resaltando la estrecha vinculación del Museo con el lujo y con la artesanía. Desde la perspectiva del Museo, aunque el concepto de lujo es muy subjetivo, está en cierta forma sometido a determinadas convenciones sociales que, en estos momentos de crisis, están cambiando, lo que abre una ventana a la búsqueda de nuevos valores basados en la creatividad, la sostenibilidad y la herencia cultural que lo están acercando a la artesanía. Y considerando nuestra riqueza en este campo, afirmó que ello abría un futuro esperanzador para la moda española.
Enrique Loewe resaltó que en el I Encuentro quedó claro que estaba emergiendo un nuevo lujo, alejado de la ostentación y el materialismo, inspirado por la búsqueda de unos valores más humanos, éticos y emocionales.Y que también quedó claro que esta nueva actitud del lujo volvía a acercarlo a una artesanía renovada, entendida, más allá de su carácter manual, como un proceso de creación emocional. Siguiendo esta línea, y a pesar de la escasez de recursos, desde la Fundación se habían planteado avanzar en esta reflexión, abordando el papel del Diseño y la Innovación en la articulación de la artesanía con el nuevo lujo.
Conferencia: “La experiencia de Loewe con Stuart Vevers”
Silvia Soler, directora de desarrollo de materiales, habló sobre la vocación artesanal de Loewe, resaltando el impulso que había representado la llegada de Stuart, con su pasión por la artesanía y por la riqueza de la cultura española, en la recuperación del ADN de Loewe y en el relanzamiento de su proyección internacional. También nos habló del laborioso proceso de elaboración artesanal, así como del constante esfuerzo de innovación tecnológica que realizan, tanto a nivel de proceso como de materiales, con el convencimiento de que constituye la base para el futuro de la artesanía. Los casi 700 artesanos que colaboran con Loewe son un claro ejemplo de cómo se puede vivir de la artesanía en el siglo XXI.
Stuart Vevers centró su brillante intervención en la importancia de la artesanía y las raíces de identidad en el nuevo lujo. Por una parte, expresó su fascinación por el diálogo entre tradición e innovación (“hacer mirar al futuro a los objetos del pasado”), mostrando el proceso de actualización del Amazona, la reinterpretación de la técnica del cordobán y el desarrollo de una colección de pañuelos de seda inspirados en el mantón de Manila. Por otro lado, enfatizó el valor de la artesanía como un proceso de creación, basado en undiálogo creativo entre artesanos y diseñadores que se retan y se apasionan para conseguir nuevas propuestas impredecibles. El ejemplo del último bolso diseñado con Angel Fernández, sin ningún dibujo previo y sin hablar el mismo idioma, ilustró el nivel de compenetración con el que trabajan conjuntamente. Stuart acabó su intervención rindiendo un emotivo homenaje a los “héroes de Loewe”, los artesanos a los que dedicó el vídeo “Maestros de la piel”.
Conferencia: “La experiencia de Lladró con Jaime Hayón”
José Ramón Esparza, director de marketing, mostró cómo a lo largo de toda su historia habían pervivido los valores con los que nació Lladró: la excelencia y el valor artístico del trabajo artesanal hecho en España y la inquietud por innovar, tanto a nivel técnico (técnicas de cocción, materiales, colores…) como en el campo del diseño (línea Alta Porcelana, laboratorio de diseño, colaboraciones con artistas…), destacando el valor cultural de sus productos y la sensibilidad para reinterpretar otras culturas como las claves para el reconocimiento internacional de sus productos. La colaboración con Jaime Hayón había representado una clara actualización de la imagen de la firma, sin perder la conexión con sus colecciones más tradicionales.
En este sentido, la intervención de Jaime Hayón fue muy clara y contundente. El futuro de la artesanía pasa por el diseño y la innovación, pero el papel del diseñador tiene que basarse en buscar una evolución, abandonando la prepotencia y situándose ante los artesanos con las orejas bien grandes para aprender a ver el mundo de otra manera (“mirar con el tercer ojo”). La innovación tiene que partir del ADN que define la identidad de la empresa, en base a un diálogo creativo entre artesanos y diseñadores. Para ilustrar este proceso, mostró cómo había ido desnudando de color a las piezas tradicionales, para recuperar su valor escultórico, y cómo había ido actualizando las escenas representadas para adecuarlas a nuestro tiempo. Y cómo este proceso les había llevado a contar con la colaboración de artistas tan rompedores como Tim Biskup, lo que les había permitido acceder a una nueva clientela. Porque, según Hayón, la clave de la artesanía se basa en la historia que cuentan los objetos, lo que implica que, además del diseño, es necesario otorgar la máxima importancia a la comunicación. Para terminar su exposición, Jaime abogó por una cooperación entre el diseño, la industria y la artesanía, destacando la pasión por los retos como las señas de identidad de esta última.
Mesa redonda: “La experiencia de los design-makers”
Moderada, como siempre, con una meticulosa precisión y un gran sentido del humor, por Pedro Mansilla,esta mesa abordó “la otra cara de la moneda”, el proceso creativo de los artesanos-diseñadores, que trabajan a pequeña escala:
-Candela Cort aportó el toque artístico, afirmando que crea sin dibujar, dejándose llevar por las manos para descubrir cosas nuevas que la sorprendan. Considera el trabajo creativo como una forma de reinventarse continuamente, realizando un trabajo de alquimista con el que recicla todo tipo de materiales poco valiosos para elevarlos a una categoría de belleza superior. Busca la ligereza y la transparencia y su tocado favorito es aquel que todavía vive en su imaginación. Considera que el nuevo lujo es algo que, aunque no sea necesario, te hace sentir bien:“mi mayor lujo es cómo me siento cuando lo hago, cuando lo llevo y cuando veo lo bien que le hace sentirse a la persona que lo lleva”.
-Sara Navarro aportó el toque mágico, mostrando cómo había creado un mundo, SaraWorld, basado en la artesanía, los materiales naturales y la sostenibilidad como expresión de un nuevo lujo ético y responsable, una filosofía de vida basada en el pensamiento mágico, que te hace sentirte bien contigo mismo y con la sociedad. Pero considera que la tradición artesanal tiene que dialogar con las tendencias, reinterpretadas a través de la cultura mediterránea como expresión de identidad. Para Sara, el objeto de lujo es aquel que dura, que no se tira, que va contigo….aunque sea en forma de árbol, como ocurre con unas alpargatas realizadas con semillas que, cunado no te sirven, puedes cultivar en tu jardín.
-Norman Vilalta aportó el toque poético, definiendo su concepción de la artesanía por medio de un poema de Rilke. Habiendo descubierto la artesanía cuando llevaba varios años realizando zapatos, no mostró ninguna imagen de sus trabajos, ya que considera que lo que define a un artesano es, básicamente, su actitud. Una actitud de constante aprendizaje (“vaciarse de lo que uno sabe para llenarse de la sabiduría acumulada durante siglos”), una actitud dee búsqueda de la perfección a través del saber hacer y, especialmente, una actitud de amor, entrega y pasión por la belleza. Y considera que es, precisamente, esta actitud, la que acerca la artesanía a un nuevo concepto de lujo cargado de valores basados en la autenticidad.
-Xavi y Ester, integrantes de Luesma Vega, aportaron el toque experiencial. A través de su trabajo diseñando las vajillas para El Bulli, desgranaron cuidadosamente el proceso de diseño colaborativo, con Ferrán Adriáy su equipo, orientado a la creación de una experiencia gastronómica concebida como una experiencia cultural y articulada en torno a un relato sensorial que nos hace viajar a través de nuestros recuerdos y de nuestras emociones.A través de 55bcn (“un marco más que una marca, porque lo que hacemos es enmarcar las obras de un chef”), nos mostraron sus espectaculares creaciones para otros cocineros, destacando su trabajo con Miramar, en el que la vajilla dialogaba tanto con la gastronomía como con el entorno. Consideran que la artesanía es un complemento de la industria, y que lo que la define es su constante actitud de innovación técnica y conceptual.
Conferencia: “Diseñar para la artesanía: presentación del Master de Diseño en Piel, dirigido por Enrique Loewe”
Juan Carlos Santos, coordinador del Master, inició su exposición afirmando que el nuevo lujo es aquel que busca alejarse de los valores caducos del lujo convencional para explorar nuevos imaginarios, a través del proceso de creación sensorial y emocional aportado por la artesanía. Ilustrado con un ejemplo simulado de la creación del bolso Amazona, mostró cómo podría haber ido adquiriendo forma a medida que el material iba respondiendo a unas inquietudes personales, surgiendo de un diálogo entre las tendencias socioculturales y las sensaciones aportadas por los materiales y alimentadas por las referencias culturales que impregnan nuestras raíces artesanales. En esta línea, el Master se dividirá en tres módulos, dirigidos por grandes diseñadores (diseño en piel, con Vilalta; diseño de bolsos, con David Sanz; y diseño de una colecciones, con Stuart Vevers). Se desarrollará en un taller, con el auxilio de artesanos. Y tendrá un enfoque muy conceptual (tendencias), teórico (clases magistrales) y práctico (técnicas y materiales), complementado por un ambicioso programa de workshops con diseñadores internacionales, visitas y prácticas en empresas.
Mesa redonda: “La promoción del diseño en la artesanía”
Moderada por Fernando Aguirre, esta mesa abordó diferentes experiencias para la necesaria incorporación del diseño a la artesanía, con el objetivo de acercarla al nuevo lujo., partiendo de la base, como afirmó Fernando, de que España cuenta con una gran riqueza cultural y siempre ha habido grandes genios individuales (Fortuny, Balenciaga…), pero que hemos carecido de estructuras que nos permitieran agrupar y desarrollar todo nuestro potencial.
-Modesto Lomba, presidente de la Asociación de Creadores de Moda, se apoyó en el valor socio-cultural de la moda para describir el proceso de creación como un diálogo entre artesanos y diseñadores, enfatizando el hecho de que, más allá de la producción manual de las piezas, el propio proceso de concepción de una colección es, en sí mismo, un proceso de creación artesanal. Es por ello que uno de los objetivos de ACME se basa en la promoción de los valores de la artesanía en el mundo de la moda, tal y como nos mostró con el proyecto “Back to the Roots”, expuesto recientemente en Nueva York, basado en una selección de creadores españoles que han incorporado técnicas y señas de identidad características de nuestra artesanía.
-Javier Gallego, director de Movex (el Centro Tecnológico de la Piel), habló de la importancia y la tradición de la piel en Ubrique, cuyo primer taller data de 1752, y con más de 3000 familias viviendo actualmente de la marroquinería. A partir de esta rica realidad, ha surgido el concepto de “leathering” , crear futuro al incorporar las últimas tecnologías de diseño, materiales y producción, preservando la esencia del “saber hacer” artesanal. Para ello han configurado Movex como un espacio de creación, en el que cualquier diseñador, definido como un catalizador de tendencias, puede contar con toda la asistencia técnica necesaria en estrecha colaboración con los artesanos de la zona, que aportan su knowHow.
-Blanca García, en representación de Fundesarte, resaltó que dentro del objetivogeneral de potenciar la innovación en la artesanía (un sector que cuenta con más de 60.000 empresas y ocupa alrededor de 200.000 trabajadores), la promoción del diseño tiene una importancia estelar, en la medida en que permite adaptar la oferta artesana al mercado. Y ello requiere innovar también en el diseño de la comunicación, ya que nuestra artesanía es más valorada en el exterior que en nuestro país. Para ello han implementado diferentes tipos de acciones que van desde los prestigiosos Premios Nacionales, el programa de colaboración entre artesanos y diseñadores D’Artes, la exposición “Singular.es” o la publicación de trabajos de investigación como “Artesanía Española de Vanguardia”, “Diseñando con las manos” o el estudio “Firmas de Lujo” presentado en el Encuentro del año pasado.
-Manuel Arias, presidente de Oficio y Arte (la Organización de los Artesanos de España, que agrupa a 1.600 afiliados a través de diferentes asociaciones sectoriales y regionales) mostró, a través de las portadas de su revista, la labor de divulgación del diseño que realizan entre los artesanos. También han coordinado un programa de colaboración entre diseñadores y artesanos, resaltando las dificultades cooperación y comunicación que ello, todavía, entraña. Manolo manifestó que “el diseño y la innovación forman parte natural de la artesanía”, mostrándose muy optimista ante la reciente y progresiva incorporación de nuevas generaciones de artesanos con una formación en diseño muy superior, adquirida en escuelas de arte y diseño.
